Iniciar el movimiento. Sobre la exposición de Steve Paxton, gurú improvisado de la danza

 Una paradoja recorre esta exposición dedicada al coreógrafo, figura mayor de la danza, el norteamericano Steve Paxton (Phoenix, Arizona, 1939). Paradoja que es remarcada, asumida por los comisarios de esta muestra que pudo verse primero en Culturgest de Lisboa antes de viajar a Bilbao. La dificultad primera está en dedicar una exposición de estas características a un artista sin su participación activa. Paxton sin Paxton. El sistema del arte es esa institución maestra en la reificación y cooptación de energías y procesos provenientes de otras disciplinas. La radical diferencia entre él y un artista visual es que el primero nunca registró ni tampoco almacenó ningún “resto” documental y videográfico de su danza, a la que imprimió un aire efímero y libre. De esta manera la exposición se nutre del material grabado por amigos y depositado en archivos y museos, o con fotografías de Babette Mangolte y otras publicadas en el catálogo.

La documentación visual de lo inmaterial, típico del arte experimental de los años sesenta y setenta, se presenta de ese modo sin la fetichización de “obra”. Lo que encontramos aquí son grabaciones, documentos. Así como muchos sistemas corporales, técnicas y terapias de conexión mente-cuerpo, fueron acuñados desde los setenta, Paxton rechazó mercantilizar la “improvisación de contacto”, su contribución principal a la danza y al movimiento del cuerpo, dejándola como una praxis que crece ingobernable y en comunidad por el mundo. Fue a partir de piezas como Magnesium y Contact Improvisation (1972), que se dio a conocer esta forma de improvisación inspirada en artes marciales como el Aikido, y en la que dos personas permanecen unidas moviéndose al unísono en una dialéctica de pesos y contrapesos, cuerpos entrelazados que se sostienen y se levantan. En el ejercicio, se abandona el uno, el yo, lo individual, para unirse a un otro, convirtiéndose en un dos. Piel con piel, lo que importa es el “entre” dos cuerpos. Mientras su figura sigue inspirando a miles de practicantes, su legado es decisivo para el arte contemporáneo. Paxton comenzó temprano en la compañía de Merce Cunningham, en 1958, para a continuación comenzar lo que poco después llegaría a ser la Judson Dance Theather junto con Lucinda Childs, Trisha Brown e Yvonne Rainer, quien dijo de él que “parecía como un saltimbanqui que acaba de saltar fuera de una pintura de Picasso”. Colaboró tempranamente con Cage y Rauschenberg, y su obra ha de leerse en paralelo a la de Vito Acconci, Bruce Nauman y Richard Serra.

 Paxton habla desde una atalaya zen, fascinante y seductor. Ejercita una filosofía de la vida cuya radicalidad le convierte en emblema e inspiración. Una forma de vida y un cuerpo que camina. Gestos cotidianos como sentarse, permanecer de pie, sonreír y andar, sirven a la pregunta: “¿Qué hace mi cuerpo cuando no soy consciente de él?” La gravedad, la desorientación, la inercia, lo táctil. Hay en la filosofía de Paxton una licencia para diferir, distinguirse, improvisar. Una anarquía y un espíritu libertario en la desinstitucionalización de la danza y el cuestionamiento de la autoridad; un planteamiento de la cultura muscular del deporte; una crítica a la militarización de las compañías de danza y el ballet; una normalización de la indumentaria del bailarín y más.

 

Si bien los museos y las instituciones del arte hace tiempo se convirtieron en espacios interactivos donde tumbarse, jugar e incluso echar la siesta, en esta ocasión la exposición funciona no solo como espacio para sesiones Jam de improvisación, sino como divulgación de un estilo de vida y  una ética corporal. Lo que artistas como Steve Paxton realizan es principalmente conceder permisos: permisos para inventar de nuevo, para reestructurar el sentido de la danza por completo. Como él lo hacía en su improvisación con música de Bach (grabación de Glenn Gould al piano de Las Variaciones Goldberg). Y todo esto sin hablar del Giro coreográfico en el arte contemporáneo actual.

* Steve Paxton, Drafting Interior Techniques, Azkuna Zentroa, Bilbao, hasta el 10 de mayo

La danza y su interacción

Con la danza ocurre como con la pintura y la escultura: por mucho que los lenguajes conceptuales y desmaterializados la amenacen, siempre es capaz de reinventarse. En las coreografías más conceptuales hemos visto el despojamiento absoluto o una deconstrucción de las condiciones del marco de representación. Pero también es posible encontrar momentos en los que la interacción del baile con otras disciplinas puede generar un “artefacto” para el deleite y el consumo. Es lo que ocurre con el vídeo del último single de The Chemical Brothers, “Wide Open”. Aquí confluyen una serie de elementos significantes más allá de la potencia de la propia canción, que cuenta con la voz invitada de Beck. El propio espacio para la coreografía ya lanza señales desde el inicio: un ancho y abierto (guiño al título) hangar con tintes post-industriales nos sitúa en lo que parece un antiguo parking o un posible estudio de artista. Este lugar, post-industrial por definición, es aquí un elemento significante importante que incorpora la carga histórica de la nueva danza, a saber, parte del legado de la Judson Church School adaptada al presente. En este escenario, una bailarina con rasgos étnicos y vestida con una ropa entre deportiva e interior ejecuta una coreografía hasta que su cuerpo comienza a convertirse en una membrana hueca y orgánica que parece salida del programa virtual de una arquitectura hiper-tecnológica. Las consideraciones y las metáforas de esta transformación del cuerpo nos plantea un horizonte post-humano mientras nos preguntamos por el efecto especial empleado. Mientras tanto, música electrónica y pop, danza y coreografía, videoclip y programación de ordenador confluyen en una colaboración entre múltiplos y distintos artistas salientes de las disciplinas más variadas.