CONVOCATORIA: Taller en Mugatxoan, Auto-reflexibilidad y autoconsciencia (2ª parte)

Convocatoria Talleres Mugatxoan 2012

Una voz sin cuerpo, hacia el amor da nombre al programa que proponemos entre el 4 y el 11 de octubre en San Sebastián y que forma parte del programa europeo en red Special Issue (Edición Especial). Les Laboratoires d'Aubervilliers, In-presentable (Madrid), Station (Belgrado), Hybris Konstproduktion (Estocolmo), BIS (Estambul) y Mugatxoan (San Sebastián) son las estructuras que conforman esta red y están creadas por los artistas con el fin de producir contextos adecuados para un arte en proceso de ser inventado.

A partir de la pregunta “¿De qué manera la performance de hoy publica discurso?” nos preguntamos: ¿Cómo estar sin estar?¿Qué se percibe de una performance cuando no la vemos y sólo la escuchamos?.¿Podríamos llegar a percibir el espacio donde se ejecuta y la imagen que produce? ¿Cuándo desaparece el cuerpo?. ¿Es la voz cuerpo?

Como modo de dar respuesta a estas y otras preguntas, hemos configurado un programa que entre otras actividades propone dos talleres de: Manuel Cirauqui y Peio Aguirre, que plantean otras reflexiones teórico - prácticas sobre cuestiones relacionadas con estos temas.

8 – 9 – 10- 11   de octubre

Taller con Peio Aguirre

El taller de auto-reflexibilidad y auto-consciencia desarrollado durante el pasado mes de febrero en Mugatxoan giró sobre la posición del hablante en la representación y sobre los modos en los cuales el sujeto toma consciencia de sí partiendo de la presencia o la ausencia del cuerpo, el régimen de la visión o la alteridad de la voz. Asimismo se apuntó a otros procesos de subjeción como la conciencia de clase o las relaciones de poder. Diferentes materiales fílmicos dirigieron la atención hacia estas cuestiones provocando una situación de alerta en el ser y estar (tanto individuales como colectivos). El presente taller se anuncia como continuación o intensificación de esa experiencia, a la vez que una nueva oportunidad donde se pondrá el énfasis en el sujeto como productor; una mayor autoconsciencia debería acompañar un aumento de la capacidad de producción. Desde el “autor como productor” de Walter Benjamin, al “autor como receptor” que la teórica Kaja Silverman identifica en el último Jean-Luc Godard la cuestión de la producción atraviesa la pregunta de qué es un autor, cómo y cuando esta figura aparece y cual es su relación con la producción de afectos. Al final de JLG/JLG Autoportrait de decembre (1995) Godard dice, casi a modo de conclusión: “He dicho que amo, he aquí la promesa. Actualmente, me tengo que sacrificar para que la palabra amor tenga sentido. Para que haya amor sobre la tierra”. Este aserto, a modo de motto, nos lleva a la pregunta: ¿cómo puede darse una forma creativa que signifique el amor como producción? En su ensayo, Silverman señala una serie de transferencias entre dar y recibir, entre devenir emisor o optar por ser receptáculo, reflejo y al mismo tiempo propagador de estímulos externos. El presente taller analizará maneras de estar, posiciones y casos de formas de vida derivadas de una posición productiva en la contemporaneidad y asumiendo nuestra inherente condición posmoderna con respecto a la cultura. Está dirigido a personas que desarrollen prácticas artísticas, creativas, teóricas y cognitivas en cualquier modalidad o disciplina. Se fomentará la reflexión colectiva sobre estas cuestiones a partir de materiales de trabajo como lectura de textos, visionado de películas y debate dentro del grupo. El taller tendrá un carácter teórico-práctico, esto es, se establecerá sobre unas pautas reflexivas y se fomentará la voluntad de participar y contribuir al debate y al conocimiento colectivo. El taller se establecerá durante cuatro días en sesiones de mañana y tarde.

P.A.

Estos talleres están dirigidos a personas que desarrollen prácticas artísticas, creativas, teóricas y cognitivas en cualquier modalidad o disciplina.  Se puede participar en uno u otro taller, o en ambos talleres, por favor, indica tu opción.  Para participar, envía este formulario y la documentación solicitada.

INCRIPCiÓN (clickar aquí, también para más información)

INFO: Taller de "auto-reflexividad" dentro de Mugatxoan

Cuando el cuerpo desaparece

Mugatxoan

Donostia – San Sebastián. Febrero 2012

El objetivo principal de Mugatxoan es el de reforzar las prácticas críticas y experimentales ligadas a la performance y sus derivaciones, así como inscribirlas en un contexto local e internacional. Mugatxoan localiza su práctica en la cognición de los dispositivos y de las relaciones que se producen entre objeto inmaterial y espectador, en los discursos del cuerpo cuyo medio es la inmaterialidad, acogiendo trabajos que aparecen como la transformación de actos y la producción de significado a través de una situación transitoria.

Cuando el cuerpo desaparece, el programa que organizamos entre

el 20 y el 26 de febrero, tiene como ejes de trabajo: auto-reflexividad

y sonido como medio de desmaterialización, así que os

proponemos:

– 20-22 febrero. Taller auto-reflexividad y auto-consciencia

con Peio Aguirre.

– 24-26 febrero. Emisión 0, programa radiado con varios invitados que incluye performances, conferencias, conversaciones e intervenciones.

¿Qué es la auto-reflexión? ¿Qué es la crítica y la auto-crítica? ¿Cómo se puede ser consciente y a la vez auto-consciente? sobre estas cuestiones gira el taller con Peio Aguirre. Abrimos una

convocatoria pública hasta el día 3 de febrero, cuando finaliza el

plazo de inscripción. Además del taller, os convocamos durante el resto de la semana

para asistir a la Emisión 0, un programa radiado que completa las actividades.

Cuando el cuerpo desaparece ¿cómo estar sin estar? Sonido como medio de desmaterialización. Proponemos un programa de radio en directo, por su capacidad de crear contenidos a través

de la práctica y de los procesos de conocimiento compartidos, y sobre todo por su capacidad de crear presente u otro presente. Esta experimentación no tiene que ver con la radio como medio,

sino como lugar donde «descansa», se apoya lo performanciel, buscando así la validez del signo en la traslación y adecuación a este formato. Un programa de formatos variables activado por los invitados: Víctor Iriarte, Manuel Cirauqui, Loreto Martínez Troncoso, Lore Gablier, Sandra Cuesta, Inazio Escudero, Kroot Juurak, Espe López y Txubio Fdz. de Jáuregui.

Presentaremos también la publicación Cuaderno 0, como medio de reflexión para reactivar elementos y fragmentos de procesos de trabajo y practicar el cruce de materias. Dibujo, imagen y texto en escritura multidireccional que nos permiten la inmediatez en el traslado de referencias y relaciones del pensamiento. Señalar lo que nos interesa, activando así, los contenidos que se cruzan en la continuidad del propio proyecto.

Esperamos vuestras solicitudes.

Ion Munduate – Blanca Calvo

Auto-reflexibilidad / auto-consciencia

Peio Aguirre / Donostia – San Sebastián. 20-22 Febrero 2012

 ¿Qué es la auto-reflexión? ¿Qué la crítica y la auto-crítica? ¿Cómo se puede ser consciente y a la vez auto-consciente? La auto-reflexibilidad es un estado de alerta perteneciente a la modernidad donde la obra de arte se piensa a sí misma a partir de una autocrítica. La auto-consciencia es la relación de la mente, o los seres individuales, con el mundo exterior o con las cosas o contextos que nos rodean. La auto-reflexibidad aparece por ejemplo en el cine de Jean-Luc Godard, deudor de las formas vanguardistas y heredero directo de Bertolt Brecht, inventor del «teatro épico» y el efecto de distanciamiento, esto es, una llamada a la interrupción y a la toma de una posición crítica con respecto a lo representado en el escenario (o en la pantalla). Mientras que los modos tradicionales de teatro buscaban absorber

a la audiencia dentro del escenario aceptando la autenticidad del mundo y aquello que se cuenta, el estilo auto-reflexivo buscaba (y busca) recordar constantemente a esa audiencia la

cualidad constructiva e ilusoria del arte, así su propia naturaleza histórica. Este taller va dirigido a creadores de todas las disciplinas que deseen observar su propio trabajo con cierta distancia, separándose de la obra o del texto por un instante, analizando la cualidad de la obra y el texto desde una perspectiva que posteriormente les permita realizar modificaciones de largo alcance. Por un momento, se trata de que los creadores se posicionen como los críticos de sus propias obras. Esta necesaria exterioridad es fundamental no sólo a la hora de evaluar el trabajo y presentarlo, sino también cuando se trata de explicarlo en público,

escribir statements y hasta para elaborar una nota biográfica. El taller fomentará la reflexión colectiva sobre estas cuestiones a partir de materiales de trabajo como lectura de textos, visionado de películas y debate dentro del grupo. El taller tendrá un carácter teórico-práctico, esto es, se establecerá sobre unas pautas reflexivas y se fomentará la voluntad de participar y contribuir al debate y al conocimiento colectivo. El taller se establecerá durante los tres días en sesiones de mañana y tarde.

Convocatoria

– Fechas: del 20 al 26 de febrero de 2012. (Taller y Emisión 0).

– Horario: De lunes a domingo con una dedicación intensiva en horario de

mañana y tarde.

– Lugar: Museo San Telmo, Donostia – San Sebastián.

– Participantes: Personas vinculadas a la práctica del arte visual,

performance y danza.

– Plazas: 15 participantes.

– Plazo de inscripción: del 17 de enero al 3 de febrero, ambos inclusive

– Documentación: Fotocopia de DNI/ Pasaporte. Carta de motivación.

Biografía y dossier con las actividades realizadas.

– Presentación de las solicitudes: Via e-mail a info@mugatxoan.org.

– Selección: Blanca Calvo, Ion Munduate y Peio Aguirre.

– Taller: Peio Aguirre

– Resolución: El 7 de febrero se comunicará personalmente a los seleccionados y

se publicará la lista a través de la página web www.arteleku.net.

– Matricula: 50 €.

– Facilidades: Mugatxoan se hará cargo del alojamiento en residencias

de estudiantes para los no-residentes en Donostia – San Sebastián, en

habitaciones compartidas con desayuno incluido, del 19 al 26 de febrero.

– Para cualquier información dirigirse a: info@mugatxoan.org

Mugatxoan 2011 es un proyecto asociado y en coproducción con

Arteleku – Tabakalera, Donostia – San Sebastián; Fundação de Serralves, Porto.

Con la colaboración del Departamento de Cultura del Gobierno Vasco y de San Telmo Museoa.

Notas sobre una experiencia educativa

Breve reflexión sobre el taller de auto-reflexibilidad crítica para artistas. Notas sobre una experiencia educativa.

Inmersiones 2010, Vitoria-Gasteiz

¿Qué es la auto-reflexibilidad? ¿Qué es la auto-consciencia? A menudo estas preguntas devienen en fórmulas utilizadas en una dimensión meramente discursiva pero sin respuesta a un nivel práctico. Estas fueron algunas de las cuestiones a tener en cuenta en el taller desarrollado en Vitoria los días 22, 23, 24 de noviembre. La cuestión principal era sobre cómo es posible, en tanto que artistas, adquirir un grado superior de consciencia, distanciándonos de nosotros mismos para a continuación observarnos ocupando un lugar preciso en esa exterioridad que es el sistema del arte. La cuestión gira en cómo observarnos a una cierta distancia supone contemplar, ser conscientes de la posición que ocupamos dentro de un marco, y la manera en la cual esta posición radical nos subjetiviza. O dicho bajo una pregunta: ¿somos realmente conscientes de la necesidad de comprender que es necesario un análisis de las condiciones de contexto que determinan nuestra actividad? Para continuar. ¿Puede esta toma de consciencia, este distanciamiento de nosotros mismos para comprendernos mejor servir para entender el sistema que nos rodea? ¿Hasta qué punto controlamos las representaciones que se hacen de nosotros? o más bien ¿somos conscientes de la necesidad de auto-representarnos de forma activa en lugar de ser entes pasivos que nos conformarnos con las representaciones que de nosotros realizan las instituciones? Aquí por instituciones quiero decir; beca, premio, programa para artistas emergentes y demás. En un primer momento estas reflexiones se establecen a partir de la necesidad de cada uno/a de los participantes a presentarse o a presentar su trabajo. Primera falla, hay que hablar por uno mismo. La primera persona del singular produce el bloqueo. Es entonces que es necesario pensar en los marcos representacionales. Una herramienta o red social como Facebook nos lanza la misma pregunta: cómo quieres aparecer de cara a los otros, cuál es la imagen que das o quieres proyectar de ti mismo. Aunque un tanto banal, el asunto en cuestión deviene en una metáfora de la dimensión pública, de un espacio de representación, que es siempre público. Es practicamente imposible participar de un sistema basado exclusivamente en la confrontación con el otro. Un contexto (cultural, artístico o lo que sea) basado en el hecho de que uno lanza un mensaje y hay otro que lo recoge, una situación en la que el artista deja una obra en un espacio por una periodo temporal o definitivo, o el crítico envía su texto a la redacción del periódico.

Madre Coraje, ensayo, teatro épico

Más tarde algunos materiales se ponen al servicio del grupo. Se comparte una lectura, un filme. Por ejemplo un texto de Bertolt Brech sobre los modos de distanciación en el teatro épico. Capítulo sacado del libro Escritos sobre teatro. Aquí por ejemplo existe todo un conjunto de ideas que pueden ser extrapolables a una necesidad de estar, hablar y participar en la dimensión pública. La cuestión de la tercera persona emerge, no tanto en el trasvase de una subjetividad en primera persona, incapaz de escapar a las coordenadas del cuerpo, la biografía y el lenguaje adquirido, sino como una técnica de distanciamiento. Hablar, pensar, representarnos en tercera persona: no como un escapismo o una evasión de responsabilidad, sino al contrario, observarnos ocupando una posición. La tercera persona en Brecht es fundamental: el hablar no como si se hubiera interiorizado un personaje sino como un personaje que se ha aprendido un texto, un personaje que cita. Entonces, una serie de situaciones ocurren: el teatro épico de Brecht funcionaba en la ruptura de esa cuarta pared que separa al publico de la escena. Se podría incluso que hasta ese momento el teatro funcionaba como una caja de cristal, cerrada a los cuatro costados. El teatro épico operaba como una ruptura del ilusionismo, el naturalismo y la identificación del espectador en el personaje. Todo esto es de sobra conocido. Pero además la tercera persona incorpora la historización: para Brecht consiste en poner en las cosas en pasado, historizarlas, reennmarcando que, ¡cuidado! las cosas/instituciones están construidas, son artificios, son consecuencias a procesos históricos. Entonces, además de situar las cosas en pasado, el uso de la tercera persona, en su distanciamiento, historiza, deviene historización. Otro rasgo a adjuntar a todo esto sería el Gestus, mostrar algo pero a la vez mostrar, enseñar, enfatizar el propio acto de mostrar. Así, los gestos devienen formas históricas, toda una mímica social emerge: la vendedora de pescado en un mercado, el burgués hombre de negocios, etc.

Pero incluso el término distanciamiento genera confusión: cómo es posible que el distanciamiento consista en acercar al público la realidad que se muestra, rompiendo la ilusión, ¿no debería más bien tratarse de “acercamiento”? Se llama distanciamiento no porque agrande la distancia entre el espectador y la escena/actor, sino porque distancia a éste de la fantasía del ilusionismo.

Chronique d'un étè, (1960) film still

Chronique d’un étè (1960) de Jean Rouch y Edgar Morin se convierte entonces en la película para ser contemplada en grupo. Aquí se establece la primera bifurcación: el DVD está en francés, sin subtítulos en castellano (ni siquiera inglés). Ver una película donde no se entiende nada de su contenido (lo que se dice y se habla), pero donde sin embargo, aún en otro idioma incomprensible, se puede comprender la película. Aprehender las producciones culturales como forma y contenido es lo más normal. Mientras que separar la forma y el contenido puede ser una experiencia desde donde extraer conclusiones. No obstante, aún sin comprender nada del filme, el simple visionado y el proceso de decodificación del mismo ya hace que entendamos su contenido. En esta película experimental, antecedente del “cinema verité”, Rouch y Morin proponen un ejercicio sociológico: grabar a una serie de jóvenes en París, preguntándoles por sus modos de vida, sus ideales y sus esperanzas. Más allá de estudiar y contemplar un ejercicio de etnografía o sociología con el cine como medio lo que esta película interroga es más sobre la responsabilidad sobre uno mismo. La posibilidad de establecer una conversación sobre nosotros, sobre cada uno/a. Chronique d’un étè es un filme cuya capacidad educativa, cuya pedagogía, puede servir más a modo de herramienta cognitiva, es decir, como documento para aprender colectivamente que como punto de partida para una reutilización artística de su método. A mi modo de entender, la educación es un espacio que no se registra, no se graba, donde no se intentan obtener réditos más allá del espacio mágico que se evapora con el final del taller, el seminario.

Auto-reflexibilidad, tomar distancia de uno/a mismo/a. Vernos a nosotros mismos en tercera persona. De esto hablábamos, producíamos discurso por el mero hecho de estar allí, ocupando y rellenando un espacio–tiempo determinado. El hecho de estar allí, de acudir al taller, tres días, mañana y tarde, ¿qué es lo que eso supone dentro del ritmo de la cotidianeidad? ¿Qué significa esta búsqueda de las rupturas, estas aceleraciones y desaceleraciones de nuestro ritmo diario? Acudir a un taller es exponerse y a la vez buscar un cambio, interrumpir la continuidad del tiempo.

Cuando un artista dice que su mejor manera de expresar es haciendo, ¿qué quiere decir realmente? ¿Acaso busca callar para que el objeto de su arte hable por él o por ella? Las trampas sobre las que un y una artista puede basarse son infinitas e ilimitadas. Pero a la hora de hablar y comunicarse estas trampas pueden devenir en estrategias elusivas pero que a la postre configuran una personalidad; es el carácter performativo del arte, y del habla.

La idea de que la auto-consciencia del artista se da cuando el artista conoce el sistema en el que quiere entrar y teje una estrategia para adentrarse en ese sistema es algo que hay que desmontar. Pero lo que de verdad hay que desmontar es la idea de la super-subjetividad del artista, o lo que es lo mismo, la idea del artista social e intelectualmente aislado. Ese artista no puede producir. Si tanto hemos hablado de danza, de Jerome Bel y su The Show Must Go On es porque Bel demuestra un grado de distanciamiento brechtiano que se da sobre sí mismo, sobre la danza y sobre el aparato (apparatus) discursivo-institucional del medio. Algo parecido ocurre con un artista post-conceptual y post-performance como Tino Sehgal. Estos ejemplos no significan que Bel o Sehgal queden libres de una contundente crítica. ¡No! Pero, ¿acaso no es necesario antes de abordar cualquier crítica el conocer en profundidad el objeto de la crítica? La cuestión de la auto-consciencia en el artista no es fácil de explicar; en términos prácticos consistiría en que no existe práctica artística verdadera sin antes no haber atravesado el desierto. Esto es un poco lo mismo para cualquiera sea la producción intelectual, cognitiva. Porque sólo después de haber atravesado el desierto el sujeto se da cuenta en qué punto se encontraba uno/a, y donde se encuentra ahora. Eso es la auto-conciencia. Un salto cualitativo en la psique, un trabajo sobre uno/a mismo/a que tiene efectos posteriores, cuantificables, tanto en cantidad como en calidad, de la producción intelectual y/o artística del sujeto.

Jérôme Bel, The Show Must Go On

La distinción entre consciencia y auto-consciencia, entre reflexibilidad y auto-reflexibilidad es sutil, difícil de explicar con palabras. Quizás algunos ejemplo pudieran servir mejor a modo de explicación. Sea cual se el caso, parece difícil referirnos a ellas sin tener en cuenta el concepto de totalidad. Ante esta tesitura, en la cual nos hallamos demasiado pegados a nosotros mismos, demasiado pegados a nuestras verdades, las cuales muchas veces no son reflejo sino mistificaciones, falsa conciencia y auto-engaño, no cabe otra solución que despegarnos un poco, ponernos en perspectiva. Necesitamos potenciar herramientas críticas que nos hagan ser críticos, con el mundo exterior, y autocríticos con nosotros mismos. Para ello es necesario pensar en términos de totalidad, quiero decir, pensar en la gran cantidad de redes, discursos, tradiciones, situaciones conscientes e inconscientes, instituciones, aparatos, y otros muchos dispositivos que nos modelan, nos representan. La totalidad es esa forma abstracta que está ahí afuera, el lugar de representación del mundo y de nosotros mismos.

Por todo esto, quizás no haya mejor manera de terminar provisionalmente que haciendo un visionado colectivo de Sans Soleil (1982) de Chris Marker. Simplemente por contemplar, ante nuestros ojos y nuestros oídos, el estado mental, el grado superior de auto-reflexivilidad y auto-consciencia que un autor es capaz de desplegar en una obra semejante, una interiorización de la totalidad tal, que va mucho más allá del virtuosismo, o del simple conocimiento acumulado y la experiencia vivida.

Sans Soleil (1982), film still, escena "bebés marcianos"

Taller de auto-reflexividad crítica para artistas, Inmersiones 2010, Vitoria-Gasteiz

Desde la semana que viene estaré llevando este taller en Vitoria-Gasteiz. 

¿Qué es la auto-reflexión? ¿Qué la crítica y la auto-crítica? ¿Cómo se puede ser consciente y a la vez auto-consciente? La noción de auto-reflexibidad aparece en el cine de Jean-Luc Godard, y debe su ser a la invención a comienzos del siglo XX por Bertolt Brecht del “teatro épico” y el efecto de distanciamiento, es decir, una llamada a la interrupción y a la toma de una posición crítica con respecto a lo representado en la pantalla y en el escenario. Mientras que los modos tradicionales de cine buscan absorber a la audiencia dentro la pantalla aceptando la autenticidad del mundo y la historia que se cuenta, el estilo auto-reflexivo busca recordar constantemente a esa audiencia la cualidad constructiva e ilusoria del arte. Este taller va dirigido a artistas que deseen observar su propio trabajo con cierta distancia, separándose de la obra por un instante, analizando la cualidad de la obra desde una perspectiva que posteriormente les permita modificaciones estructurales de largo alcance. Por un momento, se trata de que los artistas se posicionen como los críticos de sus propias obras. Esta necesaria exterioridad es fundamental a la hora de evaluar el trabajo, presentarlo, explicarlo en público, escribir statements y hasta para elaborar un curriculum. El taller se establecerá durante los días 22, 23 y 24 de Noviembre en sesiones de mañana y tarde. El taller sera tanto teórico como práctico y los artistas deberán traer material de su trabajo en formato digital, y/o dossieres, y/o todo aquello que consideren oportuno. La finalidad del taller no girará sobre la producción de “obra” sino sobre su reflexión y la conformación de una auto-consciencia.