Espectros del Grupo Gaur, 1966-2007


Archaelogies of the future, sala rekalde, 2007

Martin Beck, "An Image guide...", foto: Begoña Zubero

Mathias Poledna, "Untitled", "Version", foto: Begoña Zubero

Archaeologies of the Future
Martin Beck / Carol Bove / Dora García / Mathias Poledna / Pia Rönicke

Curator: Peio Aguirre
sala rekalde, Bilbao, 27 September to 2 December 2007

This exhibition revolves around an archaeology of different historical aesthetic forms coexisting at the heart of recent artistic practices. Rather than starting out from this vast storehouse-cum-archive of forms that is History, understood as a linear narrative that stretches from the ‘past’ to the present day, the exhibition focuses on examples and cases from ‘now’ that use different forms of historicity and/or historicism. Archaeology, as everyone knows, centres on research into history and is a discipline based on strict methods of chronological dating, period, epoch, style, school, etc. Only after archaeological analysis of material signs and remains is it possible to enter into anthropological studies on who made what, why and to what end.

One of the underlying intentions of this group exhibition of work by five artists is to reflect on the sedimentation of time in highly codified cultural forms that range from the realm of everyday objects to the configuration of the environment around us, including the formation of artworks. Architecture, design, the moving image and popular culture all intermingle in an X-ray of the cultural present with one eye on yesterday.

There are few cultural productions that transmit as much codified information to us as the cutting edges of image, art and design. The diagnosis of the present is stratified to the extent that “one day we’ll need archaeologists to help us guess the original storylines of even classic films” (William Gibson, Pattern Recognition, G.P. Putnam’s Sons, 2003). This sci-fi novel about the advent of new modes of consumption makes its appearance here like a reference. In a pop-cultural context, what we tend towards is the recognition of forms, patterns and models. In identifying ourselves with aesthetic elements, we mould subjectivities. What is going on here is a contradictory balance between the standardisation of ways of life and the need for their continual singularisation: a “mirror-world” in which everything is recognisable without being alike, in which everything looks like everything else but is different.

The artistic practices of Martin Beck, Carol Bove, Dora García, Mathias Poledna and Pia Rönicke share this analytical sensitivity towards the artificial constructs that intersect historical memory with mass culture, and are part of a tradition of critique that has continued to question the universal concepts of the aesthetic experience of high modernism through to the present day. It is in the form, the style and the language that the differences between the projections of the Sixties to the present are visible. Style (as residue) in this context is a carrier of the ideology of the times, dissolving the historical within the aesthetic, midway between timelessness and periodization.
This exhibition borrows its name from Fredric Jameson’s book, Archaeologies of the Future: the Desire called Utopia and other Science Fictions (Verso, 2005), a title that is an entire programme in itself. Nevertheless, its origin lies in the conclusion of the author’s previous book on modernity and modernism, A Singular Modernity (Verso, 2000), when he writes that “Ontologies of the present demand archaeologies of the future, not forecasts of the past”.

This exhibition as a visual essay is an attempt to short-circuit the archaeologies of the past (those of modernity) with a scenario of historicism close to science-fiction.
Another of the notable features lies in the methods used by all the artists, which include appropriation, quotation, re-contextualisation, revision, design, reference and self-reference, and manipulations of style, with culture being read as a second nature.

Pia Ronicke, "Whithout a Name", foto: Begoña Zubero


Anti-marxist workers

This year Lyon Biennial will feature a colaboration with Juan Pérez Agirregoikoa. Under the title '00s - The History of a Decade That Has Not yet Been Named' artists are chosen in relation to a selected group of curators. I decided to work close with Juan, an artist born in San Sebastian and based in Paris since early 90's. The experience will be reported, or not.
Image: Juan Pérez Agirregoikoa, 'Anti-marxist workers', drawing, 2006.



Bajo determinadas condiciones de luz, los objetos cambian de aspecto. Un foco rojo, una habitación oscura, y todo se vuelve del revés.* Bajo específicas irradiaciones lumínicas, los cuerpos se transforman. Día y noche. Luz de día y luz de noche.
El ojo es fotosensible a la oscuridad. Reflejos del anti-sol.
Los artistas presentes en esta exposición parten de la oscuridad como telón de fondo. De esta profundidad surgen imágenes misteriosas; rostros, siluetas, atmósferas, sonidos, y también animales. Una sensación de quietud infunde poco a poco al espectador. Situadas entre la acción, la no-acción y el estatismo, las escenas han sido en parte predeterminadas, o literalmente organizadas para que algo suceda. Un guión básico estructura la imagen en movimiento. La cohesión de la imagen se produce por efecto del tiempo fílmico. La duración va dando consistencia a la imagen, aflorando una doblez escondida en lo más cercano, que cuando es mirado con detenimiento muestra una extrañeza que ya estaba ahí, al otro lado de lo real.

* ‘Bright light, dark room…’ in Depeche Mode, ‘Photographic’ (Speak & Spell, Mute, 1981)

Under certain light conditions, objects change their aspect. A red light, a dark room, and everything is upside down.* Under specific luminal irradiations, bodies are transformed. Day and night. Daylight and nightlight. The eye is photosensitive to darkness. Reflections of the anti-sun.
The artists in this exhibition use darkness as a backdrop. Mysterious images come out of that depth: faces, silhouettes, atmospheres, sounds, and animals, too. Little by little, a feeling of stillness takes over the spectator. Straddling action, non-action, as stasis, the scenes are partly pre-determined, or literally organised to make something happen. A basic script is organising the image in movement. The cohesion of the image is achieved by effect of the filmic tempo. Duration gradually provides the image with consistency, bringing to the fore a fold hidden in what is nearest, which, when looked at in detail, reveals a strangeness that was already there, on the other side of the real.

* ‘Bright light, dark room…’ in Depeche Mode, ‘Photographic’ (Speak & Spell, Mute, 1981)

Fragmento del texto y cartel de la exposición que comisarié en el CAAM de Gran Canaria.


The Great Method: Casco Issues X

Casco Issues X: The Great Method

Launch: 23 may 7-10 pm

with a performance by Falke Pisano at 8 pm

Please join us to celebrate the launch of Casco Issues X on Wednesday 23 May, with a new performance, ‘Affecting Abstraction, Part Three’ by Falke Pisano.
Edited by Basque writer/curator Peio Aguirre and Casco’s director, Emily Pethick, Casco Issues X addresses the question of methodology in artistic practice, thinking about the presence or absence of methods, their ideological connotations and historical backgrounds, in order to examine some of the conditions that surround contemporary art production.

To think about method implies a reflection on the working procedures that all of us employ in our activities, and the – hidden or visible – processes that enable something to come into being. Where as in science the rules of investigation, steps and techniques of analysis and knowledge are very established, these days could one speak of one (or many) defined artistic methods in contemporary cultural practices?

Falke Pisano’s ‘Affecting Abstraction, Part Three’ explores the possibility of implementing a human presence in a hermetic abstract construction of language by performatively outlining how this could be achieved.

Casco Issues X contributors: Peio Aguirre, Stuart Bailey, Ricardo Basbaum, Martin Beck, Copenhagen Free Universtiy, Stephan Dillemuth, Wendelien van Oldenborgh, Falke Pisano, Florian Pumhösl, Stephan Willats, Haegue Yang
Design: Julia Born and Laurenz Brunner

Casco Issues X: The Great Method is made possible by the generous support of the Mondriaan Foundation, Prins Bernhard Cultuurfonds and Gemeente Utrecht. Available through Casco and Revolver (www.revolver-books.de).

Bertolt Brecht, Me-ti


Cities and Architects

Welcome to the cities of architects, welcome to the cities of politicians

This image comments my previous post (like a meta-commentary of it). This is a rather a recent image from the area of Bilbao, a picture taken (and appropriated) from the newspaper El País. The article was about the new Isozaki towers. But the polemis has been other: that about architect Santiago Calatrava complaining about the "new addition" to his own "arty" bridge... There has been a trial and it seems Calatrava is winning against Bilbao's city council.

Bilbao and Carhartt

This is an image I got from artist Jakob Kolding allready time ago. It features the public Jorge Oteiza's sculpture which stands in front of the town hall. Entitled "Variante ovoide de desocupación de la esfera" (2002), this monumental sculpture serves here as the principal motive for a promotional campaign of multinational clothing brand Carhartt. The sculpture holds a young man skating and there is also another hip cool guy passing by there. Of course these alements are artifically added to the image like in a kind of collage. In fact, it might be also a Jakob Kolding artwork in itself, but it is not. Rather it is as if someone from the design section of the company will follow Kolding's art. The background of the image also contains meaningfull information: this photograph is taken just before the construction of the two highrises by Arata Isozaki. The derricks are visible and somehow periodize the image of Bilbao, inmersed since more than a decade in an ininterrupted and endless renewal process. But it also comments Jakob Kolding's own work, like the posters he made in 2003 for D.A.E. Donostiako Arte Ekinbideak, one of then featuring a similar collage, street-skaters standing in front of another sculpture by Jorge Oteiza in San Sebastian. (Another detail represents a skater in Chillida's "Comb of the Winds"). All this reminds a lecture at the Guggenheim Museum in Autumm 2004, when showing the Kolding's collages and other contemporary "uses" of Basque myths such Oteiza, some architects felt irritated of such irrespetous treatments. Those architects are supposed to protect the meaning of ancient art, and they are blind to the fact that old art serves today for city branding and promotional campaigns of multinational brands.


I.N.I.T.I.A.L.S. B. B.

Gravestone for I.N.I.T.I.A.L.S. B.B.
February 10, 1898 – August 14, 1956
Berlin Mitte Chausseestraße
Typeface: Helvetica
Colour: White


Maria Antonieta o, ¿el regreso del Posmodernismo?

La película Maria Antonieta; la Reina Adolescente de Sofia Coppola debe verse como si de un ejercicio de estilo se tratara. Sin embargo, dificilmente una mirada distanciada e irónica puede salvar un producto bien empaquetado y envuelto en celofán por mucho que nos empeñemos en ver el filme de la manera más posmoderna posible. Su posmodernismo es el del "pastiche", es decir, esa forma que adopta la tendencia a historizar de manera que los clichés, las ideas y los estereotipos que tenemos del pasado simplemente convergen en una representación ficticia. Su historicismo (que no historicidad, pues ésta entiende la posibilidad de experimentar la historia de una manera activa, que reoriente nuestro futuro colectivo), es el de la acumulación de convención sobre convención, el de la pérdida de la "historia radical" o simplemente el regreso de la moda nostalgia.
Una pelicula como ésta sobre el personaje Maria Antonieta podría haber tenido lugar en un momento más concreto del desarrollo posmoderno. Sin embargo, su llegada tardia añade todavía una capa significante más. Ya no se trata sólo de historizar banalmente la frivolidad cortesana de la monarquia francesa y europea en un momento pre-revolucionario, sino que su historicismo se concentra en otro momento cumbre; ese que señala un instante post-punk a finales de los 70 y comienzos de los 80, o ya un instante new wave muy concreto (Ceremony de New Order y All cats are grey de The Cure como elementos clave). Lo que Coppola recrea es el mito de Maria Antonieta bajo coordenadas de la historia del pop.
Si bien ese segmento temporal de finales de los 70 y comienzos de los 80 alberga en su seno el propio germen periodizador (los regresos al pasado de los Nuevos Románticos, el diseño gráfico de Factory Records y otras claves de "white label" en las poéticas post-punk, new wave y pop, mezclados por tendencia en moda de miradas hacia atrás). La complejidad de estas referencias vistas desde el momento presente quedan aplanadas en el film. Los títulos de crédito son ya de por sí una declaración de intenciones: Tipografía rosa sobre fondo negro abusando de la estética del collage en claro homenaje a la estética punk (¡Never Mind the Bollock!) y mezclado con la del estilo revista/fanzine. Lo mismo con el poster, una imagen irónica de Kirsten Dunst con la ya mencionada tipografía debajo. ¡Puro The Face, puro ID del comienzo! ¡Y qué decir de la elección de The Strokes!
Un detalle que no pasa desapercibido es el de un elemento deliberado que juega al olvido o al gazapo. Me refiero a ese instante en el que conscientemente aparecen unas zapatillas de la marca Converse o John Smith (de color lila) en medio de una orgia de zapatos de época. Es como si la Coppola tuviera asesores teóricos del mundo del arte o de la teoría posmoderna. Esa escena está literalmente inspirada en Andy Warhol, como si una orgía de zapatos y pasteles de crema y fresas se mezclaran impúdicamente.
Pero lo de las zapatillas tiene su doble vuelta, pues ese modelo permanece ya como un prototipo de zapatilla típicamente ochentera. Además en uno textos canónicos de la Posmodernidad, La lógica cultural del capitalismo avanzado de Jameson, la comparación entre el cuadro de Van Gogh Un par de botas (y el análisis de este cuadro por Heidegger en su célebre El origen de la obra de arte) contrasta con la mirada distanciada de los Diamond Dust Shoes del propio Warhol (a lo que hay que sumar otro análisis deconstructivo de los zapatos de labriego de Van Gogh por parte de Derrida). Quiero decir que, uno de los análisis más rigurosos entre modenirmo y posmodernismo se estableció durante los ochenta en esos dos ejemplos de zapatos (Van Gogh y Warhol) y algo parecido, inconscientemente claro está, viene a hacer Coppola con la mezcla azarosa de unas Converse ochenteras con unos zapatos cercanos a los de Warhol pero en clave pre-Revolución Francesa. Es sabido, también, que el eclecticismo fue uno de los recursos que predefinieron la estética posmoderna.
Una vez cerrado este paréntesis formal, lo que visualemente el filme traslada es similar a lo que se vio en la celebrada Lost in Translation. Largas divagaciones visuales donde pasa poco o nada mezclado con planos esteticistas más propio de anuncios comerciales televisivos dirigidos al sector femenino. ¿Es acaso el buen gusto del que hace gala la directora una garantía de cara al espectador? Lo que mejor el filme rezuma es todo el catálogo de Vogue y Elle (de la que la directora es un nuevo icono, enblema de cierta modernidad consumista donde parece haber encontrado un nicho de mercado). Porque Maria Antonieta es inofensiva y no hiere. Tampoco provoca. El hedonismo soft de la reina es ajeno a la provocación y al odio. En su lugar, activa una más que buscada identificación con el/la espectador/a. Ante tanta convención y trampa, horas de visionado de películas mainstream sacadas de los alumnos de su padre y de Martin Scorsese, lo que uno desea es que el cuento se acelere hacia su trágico final. No tenemos que exigirle a Sofia Coppola que nos dé una clase de Historia (con la masa revolucionaria diluida y inexistente, que apenas aparece en escena) sino al menos que mantenga el pulso narrativo y que su barroquismo se traslade no sólo en los bellos planos, las pelucas y el paisaje de Versalles, sino también al modo de hacer cine. Pero tampoco roza el neo-barroco.
¿Y qué decir cuando la reina y sus cortesanas descubren la naturaleza, el campesinado, la vida en el campo? Esa visión no debe estar demasiado alejada de la propia mirada de la Coppola.
Se nota igualmente que la directora es gran aficionada al arte, siempre Warhol pero también Karen Kilimnik (esa imagen final del salón versallesco destrozado por la revuelta podría estar entresacado de algún cuadro de la pintora norteamericana).
Se podría decir incluso más, que Coppola ha tenido a mano unos buenos catálogos de Kilimnik para inspirarse, si es que no posee ella misma unas cuantas pinturas...
Sofia Coppola es al cine lo que Heineken a la cerveza (Maite dixit). Tanto por sus intereses, más concentrados alrededor de todo lo que rodea al cine (y a la cerveza) como por las intenciones distraidas del espectador cinematográfico (y por ende del consumidor de cerveza).
La Coppola continua su trayectoria cinematográfica con la convicción de que acudir a fiestas, inauguraciones y saraos, y un eclecticismo consumista en arte, moda, música y demás tendencias es suficiente para ser considerada como una autora.